¿Democratización de la belleza y de la moda? Parte III

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Hay una idea general, y muy popularizada, de que la moda esclaviza; que aquello impuesto por la industria fashion -mujeres en apariencia perfectas (siempre delgadas, siempre a la moda, siempre bellas, siempre correctas con el aquí y ahora)- perjudica de forma notable a la ciudadana común que, atenta o no, está influenciada por las novedades del mundo de la moda (que los medios masivos de comunicación ayudan a proliferar) porque, lamentablemente para ellas mismas, no ven concordar su imagen con la impuesta. Sin embargo:

… Todo un mundo separa la moda de antes de la Alta Costura, con sus modelos uniformes, y la moda plural moderna de colecciones ampliamente diversificadas. La imposición estricta de un corte ha dejado paso a la seducción del mito de la individualidad, de la originalidad, de la metamorfosis personal, del sueño de acuerdo efímero entre el Yo último y la apariencia externa. La Alta Costura ha disciplinado o uniformizado menos la moda de lo que la ha individualizado (…) La Alta Costura, organización de tendencia individualista, se opone a la estandarización, a la uniformidad de la imagen, al mimetismo de masas, favorece y glorifica la expresión de las diferencias personales (Lipovetsky, 1987).

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Fundamentos de la fotografía de moda

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Algunas de las características fundamentales que toda imagen de moda tiene es el estilo -un lenguaje distintivo-: en él, señala Jacques Aumont, “la expresión no es absoluta, sino que se refiere a un conjunto de convenciones, a un sentido común de lo que es admisible o normal”. El mismo afecta a la materia, la forma y a los elementos de figuración, de la escenificación. En sí, el estilo afecta a toda la obra. Por otra parte, remarca Aumont, un estilo es más expresivo cuanto más nuevo es; la obra expresiva atrae porque no se parece a nada: innova.

Por su parte, la estética, también estudiada por este autor, es otra de las cualidades que afectan tanto a la moda como a la imagen fotográfica. Esta palabra, nacida a mediados del siglo XVIII, hizo referencia “al estudio de las sensaciones y los sentimientos producidos por la obra de arte”. Pero pronto, el término cobró otro sentido y comenzó a designar lo bello, considerado la fuente de las sensaciones agradables que produce la obra de arte. Es así que moda y fotografía persiguen siempre reproducir la belleza del mundo; claro que a través de la estética predominante del momento. Por ende, la imagen de moda es un discurso visual cargado de expresiones de la cultura, del contexto histórico, de la cotidianeidad social.

Fotografía de moda: Sus inicios y su desarrollo hasta el nuevo milenio

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La fotografía de moda surgió, como subgénero, para empezar a expresar y revelar las claves estéticas de la época: 1910-1930, cuando los diseñadores impusieron una idea de la moda en el arte a través de dos movimientos: el inglés Arts and Crafts[1] y el francés Arts et metier (de similar sentido). Esto continuó en la escuela alemana de diseño, arte y arquitectura Bauhaus -creada en 1919- que reunió a los mejores artistas de vanguardia. Desde siempre, los diseñadores de vestimenta han seguido de cerca y participado en los movimientos artísticos coetáneos. Por otro lado, fueron Harper’s Bazaar (creada en 1867), Vogue (1892) y Vanity Fair (1914) las revistas que impulsaron la fotografía de moda. En ellas aparecieron los directores artísticos -como Mehemed Fehmy, Alexey Brodovitch, Alexander Liberman, Carmel Snow, Diana Vreeland, entre otros- quienes suscitaron, contratando a los mejores fotógrafos del momento, una estética visual trascendente.

Imágenes fotográficas a puro glamour

Los fotógrafos de moda, con un clic, logran que el observador se transporte a un mundo mágico. La moda es un universo sumamente fantástico y fascinante, y ellos son los responsables de que así sea. Del sofisticado Steven Meisel al mediático David LaChapelle.

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La moda no tendría razón de ser sin los diseñadores, las modelos y, entre otros protagonistas, los fotógrafos de moda. Ellos le dan al producto o marca un valor más allá de lo que se ve. Los encargos realizados por las publicaciones especializadas o por las firmas fashion, tienen como objetivo algo más que comercializar un producto. Por eso, este tipo de fotografía permite, por parte de los profesionales, utilizar recursos muy diversos en pos de expresar con suma creatividad todo el valor del producto, usando así un mayor margen creativo. Es así que los fotógrafos de moda recurren, además de a otros géneros fotográficos -como el retrato o la composición con objetos-, a todos los medios artísticos, como ser las artes plásticas. Esto, en definitiva, les permite utilizar distintos estilos y técnicas, logrando como resultado una obra artística. Entre los números fotógrafos que existen abocados a este universo, empezaremos por más destacados de la actualidad a nivel internacional.

El cuerpo como lienzo de diseñadores y artistas. Parte II

Diseñadores y artistas han advertido que hoy, el cuerpo humano es el mensaje. Los primeros, enseñan sus creaciones a través de los cuerpos de las modelos, a los que le dan la imagen que desean mostrar. Los segundos, utilizan su propio cuerpo para imponer su mirada mordaz acerca de determinada temática imperante.

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La seducción de la moda, primero aparece en las técnicas de comercialización de los modelos, al presentarse las piezas sobre “maniquíes de carne y hueso”, organizando desfiles-espectáculos; la Alta Costura, junto a los grandes almacenes, realiza –desde el siglo XIX- exposiciones universales, “una táctica del comercio moderno basada en la teatralización de la mercancía, el reclamo mágico, la tentación del deseo”, sostiene el pensador Gilles Lipovetsky. Y continúa con la idea de que la seducción va más allá de “esos procedimientos de exhibición mágica, reforzados por la belleza perfecta e irreal de las maniquíes o la fotogenia de las cover-girls” y estima que “la seducción actúa por la embriaguez del cambio, la multiplicación de los prototipos y la posibilidad de elección individual”. Además, señala que la Alta Costura inició un proceso original en el orden de la moda: “la ha psicologizado” al crear modelos que concretan emociones, rasgos de la personalidad y del carácter. Es así que a partir de ello, y dependiendo de qué lleve puesto, “la mujer puede aparecer melancólica, desenvuelta, sofisticada, sobria, insolente, ingenua, joven, divertida, deportiva”, entres otras infinitas cualidades, las cuales van a enfatizar las revistas de moda (Vogue y Harper´s Bazaar fueron las primeras en aparecer, entre fines del siglo XIX y comienzos del XX, y las encargadas de manifestar la estética de cada época desde entonces). Con la psicologización de la apariencia, señala Lipovetsky, “se inicia el placer narcisista de metamorfosearse a los ojos de los demás y de uno mismo, de ´cambiar, de piel´, de llegar a sentirse como otro cambiando de atuendo”.

La concepción de belleza en el arte y en la moda. Parte I

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El concepto de belleza está íntimamente ligado al arte y, por supuesto, a la moda desde sus orígenes. Pero, ¿qué es la belleza en el arte y qué en la moda? Acaso, ¿buscan representar ambas disciplinas la misma belleza? ¿Qué tipo de belleza? ¿Se puede considerar lo bello de la naturaleza igual a lo bello del cuerpo; la belleza de un cuadro, una escultura, con la belleza de un vestido o de una modelo? Resulta necesario poder definir el concepto de belleza. Para Herbert Read, esta concepción -que resulta de una limitada significación histórica- nace en la antigua Grecia, fruto de una especial filosofía de vida, “de esencia antropomórfica” que “exaltaba todos los valores humanos y veía en los dioses solo hombres magníficos. El arte, como la religión, era una idealización de la naturaleza, y en especial del hombre como culminación del proceso de la naturaleza”.

Además, hace hincapié en la confusión, en general, de que lo bello es arte o de que todo arte es bello, suponiendo que la fealdad es “la negación del arte”. Y llega a la conclusión de que el arte ha sido, y es con frecuencia, algo sin belleza. Se puede afirmar que el concepto de belleza se modifica de una época a la otra, de una cultura a la otra; por ello, Read considera “el sentido de lo bello como un fenómeno variable, con manifestaciones inciertas, y a menudo engañosas, en el curso de la historia”.

Yo soy… ¿nadie o muchos?

Dos obras de Nicola Costantino intentan -desenmascarando dos universos que buscan ocultar al verdadero ser de la mujer: el de la moda y la belleza- hallar la manera de retornar a una misma. Acciones y conceptos repetidos: un eterno retorno a la propia esencia.

Animales embalsamados o calcados, máquinas ortopédicas para animales nonatos, jabón de lujo hecho con grasa corporal –producto de una liposucción-, serie fotográfica que refiere a obras emblemáticas del arte y de esta misma disciplina; y, entre otros, un video instalación que muestra el tráiler de un inconcluso filme y en él la fabricación de un doble. Nicola Costantino no se limita a un lenguaje, a un tema o a un concepto; tampoco a una sola materia significante: tanto los cuerpos de los animales como su propio cuerpo le sirven para posibilitar una nueva producción de sentido. Con gran habilidad aplica numerosas técnicas -poliuretano expandido, resina poliéster, taxidermia, calco, vaciado, escultura, etc.- y su virtuosismo se delata en el cuidadoso resultado. Desde que empezó a producir arte, causó incomodidad, tanto en la escena artística como en el público; y así, o genera rechazo o un encantamiento leal. Extremos literales, como los que en su obra imperan.