Fotografía de moda: Sus inicios y su desarrollo hasta el nuevo milenio

22 May

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La fotografía de moda surgió, como subgénero, para empezar a expresar y revelar las claves estéticas de la época: 1910-1930, cuando los diseñadores impusieron una idea de la moda en el arte a través de dos movimientos: el inglés Arts and Crafts[1] y el francés Arts et metier (de similar sentido). Esto continuó en la escuela alemana de diseño, arte y arquitectura Bauhaus -creada en 1919- que reunió a los mejores artistas de vanguardia. Desde siempre, los diseñadores de vestimenta han seguido de cerca y participado en los movimientos artísticos coetáneos. Por otro lado, fueron Harper’s Bazaar (creada en 1867), Vogue (1892) y Vanity Fair (1914) las revistas que impulsaron la fotografía de moda. En ellas aparecieron los directores artísticos -como Mehemed Fehmy, Alexey Brodovitch, Alexander Liberman, Carmel Snow, Diana Vreeland, entre otros- quienes suscitaron, contratando a los mejores fotógrafos del momento, una estética visual trascendente.

Los especialistas de la imagen lograron plasmar las ideas sugeridas por los directores de las revistas y las casas de modas con genial virtuosismo. Como la premisa era mostrar las piezas diseñadas, estos tenían un mayor margen creativo y la libertad de expresión se imponía sobre otros géneros fotográficos; por ello, tomaron referencias del retrato o la composición de objetos, y de las artes plásticas (de hecho, la influencia surrealista y el estilo de Salvador Dalí estuvieron presentes en la fotografía de moda hasta los años cuarenta). Así, diferentes técnicas y estilos, trabajar en un estudio o bien en exteriores, confluían en el campo de elección de estos artífices de la imagen fashion. La escenificación de estas imágenes podía ser de distintas maneras: como el montaje de la pasarela plasmado en un reportaje fotográfico, pose de una modelo o grupo de modelos en un decorado o bien la pose sobre un fondo blanco.

Las revistas de moda se convirtieron, entre 1940 y 1960, en las encargadas de marcar las pautas estéticas; ayudadas por la maduración de la técnica fotográfica como medio de expresión y de comunicación. A partir de la década del sesenta, revolucionada con la liberación de la mujer (surgió el feminismo que en la moda se reflejó con la aparición de la minifalda), “la calle” cobró protagonismo y de ella surgieron tendencias que luego llegaron a las pasarelas, como el hippie, el punk (en los setenta), el grunge (en los noventa), entre otros. En la actualidad, y desde mediados del 2000, son los blogs de moda (que muestran fotografías de estilos, ya sea de los mismos productores como de la gente que retratan en los puntos más diversos del planeta) los que generan nuevos modelos estéticos; la persona se pierde y la vestimenta se apodera de la fotografía. Los blogs tomaron la palabra y significan con sus imágenes lo que “la calle” desea usar.

The Sartorialist book

Por tal motivo, las revistas –sobre todo en formato digital, como Vogue y Elle- añadieron a sus típicas editoriales de moda (en las que, por lo general, predomina una temática) una sección llamada Style Street (estilo de la calle), donde personas comunes son retratadas con el fin de mostrar su manera de vestir. Varios bloggers han sido contratados por revistas especializadas para ser parte de su staff. Uno de los casos más célebres es el del blog The Sartorialist, de Scott Schuman[2], quien tiene una columna en la revista GQ. Fue el pionero en captar, bajo su objetivo, los estilos más diversos de la gente común. Para ello, se pasea por las ciudades más inspiradoras de América del Norte y del Sur, y Europa.

Otros bloggers, y él por supuesto, son convocados para estar en los front row de los desfiles más relevantes junto a las estrellas del espectáculo imperantes o bien en los lanzamientos de productos de las marcas más prestigiosas. Se debe a que su visión –no contaminada por la industria- da nuevos aires a la moda que, siempre-siempre, mira hacia el futuro con las ansias de un profeta. La moda vende ilusiones y hace latir emociones (como el arte). La moda contagia como un virus tanto a los indefensos como a los supuestos inmunizados. Definitivamente, la moda se democratizó: situación propiciada por las distintas modalidades de pago, la proliferación de multitiendas, entre otros factores como la invasión de imágenes que reflejan las infinitas maneras de llevar la vestimenta. La moda está instalada y la fotografía es la plataforma exponente de lo-que-hay-que-tener o lo-que-hay-que-ser.

 
[1] Artes y oficios: escuela artística surgida a mediados del siglo XIX en Inglaterra -también se desarrolló en EE.UU.-. Este movimiento, que rechazó la separación entre arte y artesanía, revaloró los oficios medievales y le dio relevancia a la creatividad y al arte, en contra de la producción en serie, surgida de la industrialización.

[2] La revista Time lo destacó entre las 100 influencias más importantes para el diseño de moda actual.


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